Искусство века перелома
К началу XIX века в искусстве русского художественного набора произошел значительный перелом. Несмотря на то что еще продолжали появляться отдельные предметы с интересными мозаичными композициями из цветных пород дерева — это были последние всплески замечательного искусства, которое в дальнейшем почти перестало встречаться.
Весьма удачной работой, относящейся к этому периоду, является маленький туалетный столик, сплошь покрытый легким шашечным орнаментом из розового дерева. По середине боковых сторон проходит изящная ленточка с растительным узором. Тончайшей наборной работы вензель великой княгини Марии Федоровны, жены Павла I, украшает верхнюю откидную крышку столика и косвенно указывает на период создания произведения. Выполнен он охтинскими плотниками Насковыми, оставившими на нем свою подпись.
Значительные изменения претерпевает и русский художественный паркет, выполняемый в стиле классицизма по рисункам ведущих архитекторов. Характерными наборами стали строго симметричные геометрические узоры с небольшим количеством применяемых пород дерева. В составлении рисунков паркета этого периода принимали участие Ч. Камерон, Дж. Кваренги, В. Дренна.
Период конца XVIII — начала XIX века в русском декоратизно-прикладном искусстве явился переходным от стиля классицизма к стилкю ампир. Мебель стала носителем различного рода громоздких, причудливых украшений, которые заставили забыть утонченность наборных работ.
Деревянную мозаику из цветных пород нередко стали заменять простой наклейкой на предмет раскрашенных картинок, а затем покрывать политурой или лаком. В 1799 году вышло даже своеобразное руководство, рассказывающее во всех деталях о процессе производства таких «наборов». Это была книга Панкратия Сумарокова «Современный лакировщик или полное и подробное руководство к составлению и употреблению всякого рода лаков…». В Государственном Историческом музее в Москве есть гарнитур гостиной мебели из усадьбы Покровское-Стрешнево, где спинки стульев и диванов декорированы наклеенными картинками.
Единственный настоящий мозаичный элемент в декоре мебели этого периода состоял из узких полосок черного дерева, которые шли по периметру основных плоскостей и по ножкам предмета. Все большее значение приобретает природный рисунок древесины, выявляемый в больших фанерованных плоскостях. Это относится к красному дереву и в основном к карельской березе, которая начинает вытеснять из мебельного производства общепризнанную европейскую древесину. В конце XVIII века ее применяют лишь как фон, на котором еще дают небольшие наборы (примером может служить футляр от часов из собрания Государственного Исторического музея в Москве, датированный 1794 годом), а с начала XIX века фанера карельской березы используется самостоятельно. В роли единственного декоративного элемента деревянных плоскостей мебели выступает кружевной рисунок на золотисто-медовом фоне. К этому же времени получает признание изумительная красота рисунка древесины березового наплыва (капа и корешка), выявляемого под прозрачной отделкой.
Однако капо-корешок применялся значительно реже, так как представляет собой довольно редкое природное явление. Уникальным предметом, фанерованным наплывом березы, является большой овальный стол «Гедирон», принадлежавший И. С. Тургеневу и стоящий в его усадьбе, в комнате «Казино». Наплыв был таких размеров, что на всю плоскость стола ушло всего четыре куска, соединенных взаимно перпендикулярными центральными швами. Сходство текстуры карельской березы с обыкновенным наплывом было таково, что современники нередко ошибались. Так друг семьи Тургеневых великий русский актер М. А. Щепкин в своем описании «Село Спасское-Лутовиново усадьба И.С. Тургенева» упоминает «Гедирон» как стол карельской березы.
Мебель красного дерева в отличие от образцов середины XVIII века изготовляется также лишь с незначительными наборными элементами — тончайшими жилками из светлого клена, проходящими но краю полированных плоскостей предмета, подчеркивая стройность ножек мебели.
Эпоха Александровского ампира, наступившая с начала XIX века, стала временем окончательного исчезновения наборных работ. Строжайшая архитектоника в построении мебели, применение изысканных по своему природному рисунку материалов красного дерева и карельской березы сами по себе играли роль декора.
Что касается рисунков паркета, то в них преобладали геометрические формы: квадратов, восьмигранников, кругов. Растительные элементы встречаются весьма редко. Плоскостные членения паркета находятся в соответствии с декором потолка: В составлении рисунков к паркетным наборам времен ампира принимали большое участие архитекторы А. Воронихин, В. Стасов, К. Росси, А. Брюллов. Основными мастерами паркета этого периода были охтинские столяры Тарасовы (отец и сыновья), а также Дмитрий Никитин, Иван Изотов и Сафрон Тимофеев.
Далее читать по теме: Русская мебель XIX-XX века с мозаичными композициями
Источник
Бывают дни, когда всё валится из рук. Работать не можешь вообще. Начинаешь заставлять себя — изделия ломаются, линии становятся дрожащими и кривыми, клей капает не туда, куда надо. Мысли кружат как водоворот — возникают, пропадают, всплывают, как бы напоминая о себе какие-то образы, и вновь исчезают. Мысленный взор гуляет по ним и ни за что не может зацепиться. Бываю ровные промежутки, когда работается спокойно. Бывают сладостные часы, когда резцы ходят по дереву так, как нужно, рождаются интересные формы, на рисунках линии и пропорции близки к идеалу, время растворяется, ты растворяешься во времени и в пространстве. Работы, созданные в такие периоды всегда «цепляют» — их помнишь, они вызывают приятные, теплые чувства. Мы называем это «вдохновением».
Святой дух, ангел или демон ведет мою руку, направляет мысли и чувства — мне всё равно. Я счастлив в эти часы. Меня как бы нет и в то же время я огромен. Волшебное, незабываемое ощущение, когда чувства обостряются, это состояние которое я затрудняюсь передать словами. Нечто подобное можно испытать при медитациях или во время влюбленности, когда обостренно чувствуешь и видишь прекрасное, когда кажется, что ты бесплотен, и только твой дух качается на воздушных волнах, переплетаясь с духом твоей страсти.
Встретил яркое описание у Достоевского «…вдруг среди грусти, душевного мрака, давления мгновениями как бы воспламенялся его мозг и с необыкновенным порывом напряглись разум, все жизненные силы его. Ощущение жизни, самосознания почти удесятерялось в эти мгновения, продолжавшиеся как молния. Ум, сердце озарялись необыкновенным светом; все волнения, все сомнения его, все беспокойства как бы умиротворялись разом, разрешались в какое-то высшее спокойствие, полное ясной, гармоничной радости и надежды…» (но это описание состояния перед припадком у Мышкина). Это состояние у каждого окрашено свои цветом и своими эмоциями, но уверен, оно есть у каждого творческого:)
Это состояния души. Духа. Наша душа всегда стремится к прекрасному, красоте, гармонии, пища души — переживания человека — его внутренний мир; «одежды» души — это чувства, эмоции, её инструменты — это вера, религия, искусство.
Искусство и религия, творчество и вера — их переплетение, взаимопроникновение, влияние — вопросы, волнующие не на шутку.
Каждые 500 лет в истории человечества происходят глобальные перемены, наступает перелом, ну и как следствие сразу же возникает новое направление в искусстве.
Середина 1-го тысячелетия до нашей эры — возникновение буддизма.
Начало нашей эры — явление Христа народу и возникновение философии христианства.
500-е года нашей эры — возникновение ислама.
1054 — разделение вселенской церкви на Западную и Восточную. Восточная церковь стала именоваться Православной, поскольку сохраняла прежние позиции в христианском вероучении и признавала в Символе веры трактовку «И в Духа Святаго, Господа, Животворящаго, Иже от Отца исходящаго»( цитата ), ну а западная стала впоследствии именоваться Католической, и в Символе веры признавала исход Святого Духа и от Отца, и от Сына. Русь, бывшая в языческой вере и принявшая христианство в 988 году, поддержала Восточную церковь — то есть Православную ветку скорее по формальным причинам . Там две точки зрения — но, пропустим их. Знаменательны эти года зарождением эпохи высокой готики.
Далее, в 1500-1600 года — эпоха зарождения протестантов. Возникновение и становление капитализма — то есть это те отношения в обществе, в которых мы живем сейчас. Возникает книгопечатание — это культурный перелом для искусства — самое интересное. Ну и наши с вами дни 2000 года — не думаю, что их можно назвать спокойными. Мы живем в эпоху, когда все привычные понятия сдвигаются со своих мест. Меняется мировоззрение, мышление. Меняется система ценностей. Поколение перестает читать книги. Меняется материальный мир вокруг — это сказывается на духовном мире
Причинно-следственная цепочка — кризис, возникновение нового направления духовной жизни — явная.
То есть каждая дата перелома характеризуется новыми видами богословия, новым и течениями в религии, естественно, в искусстве. Читал, что это есть изменения и в учениях о конце света. Но это слишком глубоко, оставим это на волю эсхатологии.
Поражает творчество гениев живописи, литературы. Мне почему-то кажется, что с небес сходит кто-то, садится на плечо и водит мысли гения по тайным закоулкам человеческой души, по самым темным сторонам человеческого сердца, открывая истинные причины человеческих поступков. И, это, пожалуй, самое увлекательное путешествие.
Может предметом творчества Создателя являются мысли человека? Помыслы, которые заставляют совершать поступки. Все мы видим лишь поступки, результаты, а истоки, неосязаемые нити, которые тянутся, путаются, обрываются, связываются в узлы, увлекают, губят и возносят, заставляют любить и ненавидеть — их знает лишь тот, кому они принадлежат, ну, и, видимо, тот, кто их подарил.
Вера, религия невозможна без учений, учения невозможны без описаний и иллюстраций. Описания и иллюстрации невозможны без художественного вымысла, образов, символов.
Влияние религии на искусство бесспорно. Религия выводит из реальности, искусство делает то же самое. Через образы, созданные гениями мы постигаем дух той эпохи, которую они отражают, они красивы или уродливы, но они становятся незабываемыми. Через инструменты искусства художник выражает свой внутренний мир, свое отношение к предмету. Католическая Европа насыщена статуями — отголосок того, что католики изображают святых в трехмерном пространстве, и того, что для строительства католических храмов использовался известняк, что дало толчок развитию резьбы по камню. Нас поражают орнаменты Востока, ни в одной стране нет таких узоров, какие видны на мусульманских мечетях — это прямое следствие того, что Коран запрещает всякое изображение Бога. А до недавнего времени вообще запрещалось изображение живых существ. Творчество мастеров ислама в средневековье развивалось лишь в направлениях создания орнаментов и каллиграфии.
Я часто обращаюсь к Богу. Иногда мне кажется, что он благосклонен, иногда, что он вообще ничего не слышит и не видит и ему вообще всё без разницы. Психую. Но вот до мыслей, что его нет — я не разу не доходил:) Вера — это как опора. Когда опора выходит из под ног, в чем угодно засомневаешься.
Хожу в православный храм не по идейным убеждениям, а потому что это основное религиозное учение в России. Всё же, думаю, Бог един, но в силу разных причин (географических, экономических, социальных, культурных, этнических, его называют и почитают по-разному).
Христианство — направление, о котором мне больше всего известно, поэтому и хочу немного поговорить об этом. Католицизм и православие. О влиянии их на искусство. Возможно, мои мысли вызовут отклик у читателя, может этот текст прочитают и забудут, а может и вовсе не прочитают.
В этой статье хочу коснуться эпохи готики. Почему-то она меня завораживает. В искусстве это направление наиболее ярко отобразилось в архитектуре.
Одна из величайших задач готики — это преодолеть самого себя. В средневековье человек ощущал тяжесть своей души, отягченной грехами, они давили и притягивали её к земле. Вместе с душой отягчалось и тело. И вся культура и готическая символика направлена на вознесение, прорыв, стремление к небу, к Богу, к Высшему, к совершенству. Вообще весь готический собор организован так, что он заставляет человека двигаться, в отличие от православного храма, который заставляет человека остановиться. Элемент, который есть только у готического собора, и служит именно движению — лабиринт.
Самым известным является лабиринт в Шартрском соборе. Он единственный сохранившийся из больших лабиринтов.
Лабиринты есть Реймсе, Эврексе, Руане, Амьене, Лионе и других местах — все они были посвящены Деве Марии.
Лабиринты говорили людям о том, как находясь на одном и том же месте можно пройти очень большое расстояние и потратить большое количество времени. Лабиринты символизировали путь паломника к Богу. Начав движение в лабиринте, человек сразу удалялся от центра на максимальное расстояние, потом приближался к центру и вновь удалялся. При этом человек, который только вступил в лабиринт, и тот, который уже находился на выходе из него могли достать друг друга вытянув руки. То есть наглядно было видно, как идя очень долго — можно никуда не уйти — пространство и время были сжаты, скручены, свернуты.
Еще одна характерная черта — это наличие скульптуры в храмах. В скульптурах отображался и ужас греха и лики святых. На лицах скульптур святых стали в то время впервые появляться эмоции. Уникальны скульптуры Реймского собора. Они размещены независимо от стен. Самая известная — «Улыбающийся ангел».
Шпили готических соборов — визитная карточка этой эпохи. Они говорят о стремлении человека подняться до божественных вершин. Такую же стилистику приобретает и костюм элементы одежды. Появляются головные уборы у женщин в виде конусов, устремленные вверх, туфли с заостренными носками.
В это время дамы носили убор, по форме представляющий собой цилиндр или трубу, достаточно высокую. Уборы увеличивались в высоту, повторяя силуэты готических крыш. Широко описанный головной убор Эннен имел форму усеченного конуса. Дополнением этого своеобразного головного убора служила длинная прозрачная вуаль. Церковь считала это украшение — карикатурой на готические соборы.
Всё это касалось католических церквей. История Православия и его связи с искусством не менее интересна, но об этом в другом очерке Пути Господни неисповедимы. Чего стоит история собора Святой Софии: построен как православный храм — в 989 сильно пострадал от землетрясения (а в 988 Русь принимает Христианство!), именно в нем произошел раскол церкви на православную и католическую в 1054 году, а впоследствии этот собор (не случайно, я думаю, именуемый собором Премудрости Божей) стал мусульманской мечетью! Сейчас это музей, ну, думаю, вы вам это известно.
Исторические даты, события собраны, послужившие написанию статьи собраны из разных источников — путеводителей, мелких статей и рефератов, телевизионных передач и очерков о моде. Статья написана на основе собственных размышлений. В статье использованы фотографии с просторов интернета, находящиеся в свободном доступе.
Недавно случился у меня разговор с сыном о переломе в изобразительном искусстве. Я даже не помню, с чего все началось. Посмотрели мы с ним сначала Ренуара, очень ему понравилось, затем разговор плавно перетек на импрессионистов и их отличие от традиционного подхода к живописи. Бегло пересмотрели прерафаэлитов, перескочили на русскую живописную школу, долго рассматривали работы передвижников. И как-то так получилось, что с передвижников мы вышли на тему перелома в искусстве в начале 20 века. А перелом был фундаментальный, резкий, жестокий, и в России он напрямую был связан со сменой власти и всеми вытекающими последствиями. Помните, как в Интернационале поется (дети-то наши не знают слов этой песни): «…мы наш, мы новый мир построим, кто был ничем, тот станет всем!»
И пришли малевичи, шагалы и кандинские и разгромили мир классической живописи, принеся на смену «новое искусство» беспредметности и «вечного покоя» – термины из теоретических изысканий творца черного квадрата, который он назвал антииконой и концом искусства.
Тут сын совершенно оторопел от удивления. «Зачем? Что за чушь?» – спросил он меня, раздраженно разглядывая супрематическую живопись первых лет становления «нового мира». Вместо ответа я пошла еще дальше и показала ему современные течения концептуального искусства.
Пока мы так общались прямо посреди понедельнишной суеты дня, я все больше испытывала чувство глубокой благодарности к своей преподавательнице Мировой Художественной Культуры, доценту Ольге Николаевне Оболенской, за то, что сформировала у нас цельное представление о взаимосвязи культуры внешней и внутренней, за то, что у меня есть возможность делиться с детьми своими представлениями о прекрасном и безобразном, о добре и зле, о смысле жизни и творчества.
Вместе с этой беседой родилось желание кратко отобразить те процессы, что в полной мере подробно осветила нам Ольга Николаевна во время наших лекций. Однако, пробежавшись по поисковику, я с радостью обнаружила текст, написанный человеком с псевдонимом Marinin, который гораздо острее и глубже, чем это сумела бы я выразил то, что я пыталась донести детям. Нам осталось только щедро снабдить его примерами. В подборке иллюстративного материала мне опять помогала Валечка Рогозянская, моя 15-летняя помощница, за что ей от меня огромная благодарность.
Итак, Очень краткая история искусства с иллюстрациями.
Вначале рисовали, как могли (после это назовут примитивом).
Пещера Шове
Пещера Ласко
Пещера Магура
Потом стали рисовать, как нужно. В зависимости от того, что и кому было нужно, назвали это по-разному: от иконографии…
Устюжское Благовещение
Святой Пантелеимон в житии. Икона. XIII век. Монастырь святой Екатерины на Синае.
Андрей Рублев «Святая Троица»
Феофан Грек «Богоматерь Донская»
…до соцреализма.
Константин Юон «Новая планета»
Татьяна Яблонская «Хлеб»
Юрий Пименов «Свадьба на завтрашней улице»
Когда появились свободные художники, стали они рисовать все, как видят. А видели они все по-своему.
Одни видели античность,
Никола Пуссен «Эмилия и Танкред»
Эдвард Берн-Джонс «Персей и морские нимфы»
Лоуренс Альма-Тадема «Под сенью голубого ионического неба»
Другие видели романтичность
Уильям Брейкпил «Любовное признание»
Фридрих «Путник над морем тумана»
Вильям Уотерхаус «Срывайте розы поскорей»
Третьи видели реальность
Жан-Франсуа Милле «Собирательницы колосьев»
Архип Архипов «Крестьянка»
Василий Перов «Тройка»
А четвертые научились видеть впечатление. Последние были прозваны импрессионистами. «Мы рисуем так потому, что мы так видим» – говорили импрессионисты.
Клод Моне «Впечатление. Восходящее солнце»
Пьер Огюст Ренуар «Лягушатник»
Альфред Сислей «Снег в Лувесьенне»
Константин Коровин «Небесные фонари»
После импрессионистов появились постимпрессионисты, которые рисовали не так, как импрессионисты. Они рисовали не так, потому что они так видели.
Поль Гоген «Озорная шутка»
Поль Сезанн «Натюрморт с кувшином и драпировкой»
Винсент Ван Гог «Дорога с кипарисом и звездой»
Вслед за постимпрессионистами в изобразительное искусство пришли фовисты,
Анри Маттисс «Красная комната»
Андре Дерен «Автопортрет»
кубисты,
Марк Шагал «Влюбленные. Прогулка»
Пабло Пикассо «Три музыканта в масках»
Натан Альтман «Портрет Анны Ахматовой»
Каземир Малевич «Спортсмены»
футуристы
Джино Северини «Натюрморт с куполом собора святого Петра»
Карло Карра «Ожидание»
Шандор Бортник «Красный паровоз»
и другие авангардисты. Которые научились видеть не так как все. И рисовали они соответственно. Они рисовали так, потому что, они не так видели.
«Если мы не так все видим, то и рисовать надо не так» – заявили сюрреалисты. И стали они рисовать не так, потому что не так видели.
Сальвадлор Дали «Постоянство памяти» («Текучие часы»)
Рене Магритт «Счастливый донор»
Рене Магритт «Загадки горизонта»
Хуан Миро «Спасательная лестница»
Ремедиус Варо
Мерет Оппенгейм «Меховой завтрак»
«ВСЕ надо рисовать, так как оно есть» – объявили абстракционисты. « Если ВСЕ есть НИЧТО, то и рисовать надо НИКАК» – утверждали они. И стали они рисовать никак, потому что так они видели.
Василий Кандинский «Композиция VI»
Пит Мондриан «Композиция в сером, розовом»
Лучше уж никак не рисовать, чем рисовать никак – решили минималисты.
Дональд Джадд